Reseña: «An Hour Before It’s Dark» de Marillion (2022)

Reseña “An Hour Before It’s Dark” de Marillion (2022)

Por: Francisco Chiu

“An Hour Before It’s Dark” es el vigésimo álbum de estudio de la legendaria banda inglesa de Neo Progresivo Marillion. Grabado en los Real World Studios propiedad de Peter Gabriel y lanzado el pasado 4 de marzo.

“An Hour Before It’s Dark” comenzó a gestarse a finales del 2019 pero la pandemia generada por el Sars-Cov2 y que obligó al mundo a encerrarse interrumpió el proceso del álbum. Marillion se maneja bajo un sistema de composición en banda (jamming) así que, al verse imposibilitados de interactuar juntos en un estudio, el álbum sufrió un retraso de casi un año.

En cuanto las condiciones lo permitieron la banda se enclaustro en los Real World Studios ubicados en Bath al suroeste de Inglaterra para retomar el proceso de un nuevo álbum. Real World Studios ha sido el refugio de Marillion durante sus últimos trabajos, en palabras de Steve Rothery la propiedad de Peter Gabriel les ofrece un aislamiento ideal para centrarse en su creatividad, así como una enorme sala con una acústica increíble.

El título del álbum “An Hour Before It’s Dark” (según diversos comentarios de la banda) hace referencia a 3 conceptos. El primero a la advertencia que nos hacían nuestros padres de que la noche se acercaba así que el tiempo de jugar estaba por llegar a su fin. El segundo relacionado al cambio climático y la proximidad de llegar a un punto sin retorno en el que toda la vida en la tierra sufrirá terribles consecuencias y el tercero en referencia a la llegada a la etapa final en la vida del ser humano.

“Be Hard on Yourself (I) The Tear in the Big Picture” inicia con una sección coral que nos indica que la dirección que ha tomado Marillion en sus más recientes presentaciones al incluir secciones de cuerdas y coros estarán presentes durante el desarrollo de este álbum. Mark Kelly luce en esta primera sección, así como el trabajo orquestal de Ian Mosley. Líricamente se mete de lleno en la destrucción de nuestro planeta por la sobre explotación de sus recursos y la pobre actuación de quienes lo habitamos por evitarla.

“Be Hard on Yourself (II) Lust for Luxury” segundo movimiento de esta primera suite y el tema cobra tintes dramáticos y de reproche hacia tanta hipocresía. “Don’t talk to me of need Don’t talk to me of want Don’t talk to me of dreams The world has seen enough impatient bags of blood Don’t talk to me of speed Acceleration never did you any good”

“Be Hard on Yourself (III) You Can Learn” tercer y último movimiento de esta canción en dónde retóricamente y directamente urge a la humanidad a ser más dura y exigente consigo misma. Durante la transición se escucha un compás similar al del marcar el tiempo de un reloj que nos pone en perspectiva de que el tiempo se agota. “Paint a picture, sing a song, plant some flowers in the park Get out and make it better You’ve got an hour before it’s dark…”.

Esta primera pieza es una suite con duración de 9 minutos plagada de texturas y capas que enmarcan el contexto lírico de una forma espectacular. Un regaño y exigencia directa tan directa como deben ser las acciones que se requieren para evitar el aniquilamiento de nuestros entornos.

“Reprogram the Gene (I) Invincible” la segunda suite abre con este tema bastante up tempo con un Hogarth encabezándolo con una energía y calidad interpretativa como si el tiempo no hubiera pasado y siguiera siendo aquel joven energético que llego para continuar el camino de la leyenda Marillion. La letra sigue abordando la temática sobre la crisis climática (incluso menciona Greta Thunberg) y el tema COVID 19 comienza a mencionarse en este álbum aún y cuando originalmente Steve Hogarth era renuente a escribir sobre la pandemia. “I don’t wanna be food for thе trees I don’t wanna fever I don’t wanna cough As the planеt simply shrugs us off”.

“Reprogram the Gene (II) Trouble-Free Life” segundo movimiento y la intensidad musical baja un poco, pero la letra sigue siendo enfática en que todos los eventos que apuntan a un futuro catastrófico para nuestra especie (cambio climático, pandemias) tienen una relación directa con nuestra manera de actuar o más bien de no actuar.

“Reprogram the Gene (III) a Cure for Us?” el cierre de esta suite busca dejarnos un ambiente un poco más optimista tanto musicalmente como en la letra. Invita a que “cambiemos el chip”

“Only a Kiss” breve instrumental ambiental a base de guitarra y sintetizador que trabaja como un preludio para el siguiente corte.

“Murder Machines” este es el segundo sencillo que se lanzó como adelanto de este álbum. Musicalmente podría ser el tema más amigable comercialmente, pero esto no hace que decaiga en su calidad. La letra totalmente inspirada por la situación que el mundo entero vivimos durante la pandemia provocada por el SARS-Cov2 y sus subsecuentes variantes. Hogarth en relación a este tema expresó: – “Acabamos de vivir (y muchos en el mundo aún viven) una época en la que abrazar a otro ser humano podría conllevar el riesgo de matar a esa persona. No poder abrazar a las personas que amas es una noción tan poco natural para nosotros, como estar en prisión. Mis letras suelen funcionar en más de un nivel, a veces en varios. Puedes matar a alguien amándolo, especialmente si ese amor no es correspondido o “el amor que no se atreve a pronunciar su nombre”, y no me refiero solo a lo que se refería Oscar Wilde, sino a todos los amores “prohibidos”. Entonces, la máquina asesina es el virus, pero también pueden serlo las personas.

“The Crow and the Nightingale” el inicio de este tema, aunque breve es fantástico! Coro, cuerdas, piano para darle entrada a la voz de Hogarth que será intermitentemente acompañada y adornada por la sección coral. Una pieza orquestal sencilla pero hermosa con un solo de Rothery que funciona maravillosamente. Un himno a uno de los héroes de Hogarth, Leonard Cohen.

“Sierra Leone (I) Chance in a Million, (II) The White Sand, (III) The Diamond, (IV) The Blue Warm Air, (V) More Than Treasure” la tercera suite en este álbum se compone de 5 movimientos que entre ellos suman 11 minutos aproximadamente de duración. El primer movimiento (Chance in a Million) es una introducción deliciosamente acompasada. El segundo movimiento (The White Sand) es un suave arrullo que invita literalmente a acompañar al protagonista de la historia a tirarse en la arena y contemplar el infinito. El tercer movimiento (The Diamond) continua durante su primer minuto con esta atmósfera hipnotizante que viene desde el movimiento anterior, durante el transcurso subirá de intensidad para regresar nuevamente a esta sensación delicadamente hipnotizante. El cuarto movimiento (The Blue Warm Air) un ambiente atmosférico con paisajes melódicos deliciosamente sencillos, enlaza directamente al quinto y último movimiento (More Than Treasure). Parte culminante con melodías extraordinarias por parte de Rothery y un desenlace que va desvaneciéndose. Para comentar la parte lírica debemos tener poner en contexto las condiciones de la nación africana llamada Sierra Leona. Una nación que ha sufrido un sin fin de conflictos civiles y serias crisis de esclavitud y derechos humanos, pero que a su vez está llena de cantidades de ricas de minerales entre los que se encuentran los diamantes. Hogarth declara sobre la letra de esta canción: – “es una canción que cuestiona el consumismo y trata más sobre la dignidad humana. Este pobre hombre acaba de encontrar un diamante del tamaño de su mano y, sin embargo, se niega a venderlo. Es un símbolo de poder y desafío, un poder que tiene por primera vez en su vida. Tiene el poder de decir “No”, un lujo que nunca antes había tenido. Así que se acuesta en la playa y mira a través de ella hacia el infinito”.

“Care (I) Maintenance Drugs” la cuarta suite encargada de cerrar el álbum aborda una temática en referencia al cierre de nuestra existencia y del ser humano consciente de su mortalidad. Sin duda, mi favorita del álbum. Comienza con una cadencia rítmica muy buena, movimiento que presenta un excelente “modo” rockero. Hogarth sobre la lírica en este primer movimiento: – “se inspiró directamente en mi amigo Conrado, en la Ciudad de México, quien descubrió que tenía tumores inoperables a lo largo de la columna. Se sometió a muchas sesiones de quimioterapia, y cada vez que estaba en tratamiento, me enviaba un mensaje de WhatsApp con una selfie sonriente y desafiante. Así que lo acompañé en su viaje. Estoy feliz de decir que ahora está en remisión y se siente muy bien.

“Care (II) An Hour Before It’s Dark” una genuina pieza compuesta por ambientes construidos con una cautivadora sencilles. El tono de Hogarth interpretando y transmitiendo una paz y tranquilidad perfectamente encajada en la lírica del tema.

“Care (III) Every Cell” este movimiento junto con el anterior, son la parte central de esta suite que nos recibe con un fino piano, platillos sutiles y punteos de guitarra. Cobrará intensidad hasta el minuto con 29 segundos en dónde estalla uno de los solos patentados de Rothery, de esos que de inmediato se te incrusta en el alma el cual nos deja en otro momento sutil de piano. Hogarth comenta sobre la letra en estos 2 movimientos: – “la sección central de la canción, representa a alguien reconciliándose con la muerte, atesorando sus recuerdos sagrados y reconociendo y agradeciendo a quienes lo han amado y a los que ama”.

“Care (IV) Angels on Earth” último movimiento de la suite “Care” y del álbum. Ambiente de pista final de una banda sonora, heroica, con breve solo marca registrada de la casa Rothery. Hogarth sobre la letra en esta pista: – “representa el viaje de la vida, pero también es un agradecimiento a los profesionales de la salud que dedican sus vidas y, a veces, dan sus vidas por la causa de cuidar a los demás. Los ángeles de este mundo no están hechos de bronce ni de piedra. Están trabajando mientras todos dormimos. Ellos se preocupan”.

En conclusión, dejando de lado las infructuosas discusiones sobre de que Marillion dejó de crear Rock Progresivo desde hace tiempo. “An Hour Before It’s Dark” es probablemente uno de los álbumes más sólidos en los últimos 30 años de la banda.

Aunque no se trata de un álbum conceptual, si se desarrolla bajo temas concisos. Mientras cientos de bandas apuestan por complejos arreglos y construcciones complicadas, Marillion llena un espacio como una banda que retoma la tradición del rock en manejar temas políticos de una manera contundente y directa en tu cara ya sea en el caso de exigir acciones para construir un mejor entorno para todos y a su vez también abordar temáticas como despertar la consciencia sobre nuestro lugar en este mundo y sobre nuestra propia existencia.

No encontrarás momentos de gran complejidad porque toda la banda se enfoca en construir paisajes musicales sensacionales, Rothery no desbordará en solos, pero llenará este lienzo con melodías exquisitas. Ian Mosley y Pete Trewavas perfectos con las bases rítmicas, Mark Kelly creando ambientes y conjugándose con las secciones orquestales de manera brillante y Steve Hogarth en plan maestro con la pluma y voz.

Un álbum que en su lírica envía mensajes duros pero que termina por despertarte una sensación optimista y sobre todo con unas ganas tremendas de enfrentar los desafíos que hoy como humanidad nos competen.

Músicos:

Steve Hogarth – Vocales, Piano, Teclados.

Steve Rothery – Guitarra.

Mark Kelly – Teclados.

Pete Trewavas – Bajo.

Ian Mosley – Bateria.